Le Jardin des Narcisses s’inscrit dans un contexte où les tensions autour du genre, du pouvoir et de la violence sont plus visibles que jamais. D’un côté, les mouvements féministes se renforcent, portés par des voix qui refusent désormais le silence et réclament justice, reconnaissance et transformation sociale. De l’autre, des courants masculinistes et extrémistes gagnent du terrain, ravivant des discours de domination et nourrissant un climat où l’emprise, l’intimidation et la violence deviennent des outils de contrôle.

En Suisse, cette fracture se manifeste de manière tragique : le nombre de féminicides augmente et les associations luttent encore pour que ces crimes soient nommés, reconnus et comptabilisés de manière officielle. Cette absence de reconnaissance institutionnelle rend invisible ce qui est pourtant une réalité structurelle : la mise à mort de femmes en raison de leur genre.

Ce projet naît précisément dans cette tension — dans l’urgence de donner forme, voix et espace à ce que la société peine encore à regarder en face.

Je parle ici en tant qu’artiste, depuis un endroit lucide et engagé.
Le Jardin des Narcisses n’est ni un règlement de compte, ni une accusation : c’est une réponse artistique à un schéma de domination et de violences relationnelles qui traverse les vies, souvent derrière des façades impeccables — et qui continue d’être minimisé, excusé, ou enfermé dans le privé.

Ce projet est né d’une nécessité : rendre visible ce qui se cache, mettre des mots et des formes sur ce qui abîme, sans sensationalisme, sans voyeurisme. Refuser le silence, refuser la banalisation, et refuser que ces réalités restent cantonnées à la honte ou à “l’histoire d’un couple”.

Je ne cherche pas à répondre à la violence par la violence.
Mon outil, c’est l’art : la beauté non comme un voile, mais comme un révélateur. Une manière d’exposer le réel avec une intensité calme, précise, impossible à détourner du regard.

À travers ce projet, des expériences individuelles et collectives deviennent une œuvre : un espace de confrontation, de mémoire, et de résistance — où l’on regarde en face, et où l’on reprend du pouvoir sans bruit, mais sans recul.

Tout part d’une image profondément inscrite dans l’imaginaire collectif : le mythe de Narcisse, cet homme tellement fasciné par son propre reflet qu’il en oublie le monde, les autres, jusqu’à finir noyé dans l’eau qu’il contemplait.
Un homme détruit par l’adoration de lui-même — une métaphore qui résonne étrangement bien avec certaines dynamiques contemporaines.

De ce symbole, je glisse naturellement vers la plante elle-même : le narcisse, cette fleur éclatante, séduisante, mais profondément toxique.
Toxique pour qui la consomme.
Toxique pour les animaux.
Toxique même pour les autres plantes — car certaines variétés libèrent des substances qui inhibent la croissance de ce qui les entoure. Un poison délicatement emballé dans une beauté immaculée.

Cette dualité — la beauté qui tue, l’éclat qui cache le danger — est devenue la colonne vertébrale du projet. En parallèle, une autre image m’a frappée : celle du jardin parfait, du jardin d’Éden, ou encore du « jardin des trad-wives » — ces femmes idéalisées, coiffures impeccables, gâteaux faits maison, fleurs taillées à la perfection, un après-midi de jardinage comme dans un manuel des années 50. Derrière ce décor trop lisse se cache parfois un contrôle, un silence du féminin, une domestication subtile, une pression insidieuse à la perfection — bref, un terrain idéal pour cultiver… des narcisses.

Le Jardin des Narcisses, c’est cela : l’image dorée, polie, immaculée, qui sous son calme peut se révéler toxique, dangereuse, étouffante. À partir de ce symbole commun — le mythe, la plante, le jardin idéalisé, les relations qui enferment — des dizaines d’idées ont éclos. Et c’est ce jardin-là que je partage ici : un jardin où chaque fleur révèle ce qui ne se dit pas, où chaque pétale brille sans cacher le poison, où chaque œuvre questionne ce que l’on hérite, ce que l’on subit, et ce que l’on peut enfin déraciner.

Tout commence en 2018, dans un studio de tatouage. Au fil des rendez-vous, des femmes viennent marquer sur leur peau une rupture, une sortie, parfois une survie. Avec le geste, les mots arrivent. Des récits reviennent, se ressemblent, s’empilent. À force, ce n’est plus une suite d’histoires isolées : c’est un motif. Un poids. Un écho qui s’incruste.

Pour ne pas laisser ces paroles se dissoudre — ni m’y dissoudre — un carnet noir s’impose. J’y recueille des phrases, des silences, des fragments. Et, après les journées de travail, quelques croquis : comme une manière de déposer, de comprendre, de garder une trace sans trahir.

En 2026, ce carnet est là, épais, rempli jusqu’au bord. Il ne demande pas d’être “raconté” : il demande une forme. Une transformation. Alors je choisis de déplacer la matière vers l’art. Ne pas rester dans l’accumulation. Ne pas se noyer. Faire de ce trop-plein un langage.

De ce geste naît Le Jardin des Narcisses — et toute l’exposition qui en découle.

La peinture est ma première langue artistique. Les tableaux du projet sont à la fois le prolongement de mes années de travail et la traduction visuelle de toutes ces voix entendues.
J’aime dessiner des portraits ornés de fleurs, de symboles, de détails subtils et de fragments surréalistes. Mon style précis, minutieux, presque obsessionnel, devient ici un outil pour donner un visage aux récits invisibles.

Chaque portrait porte la charge symbolique des expériences vécues :
le corps, la menace, la force, la fuite, la survie. Ces œuvres ne racontent pas une histoire unique : elles incarnent des centaines de chuchotements, des confidences recueillies au fil des années.

Pour dépasser mes compétences actuelles, élargir mon champ artistique et explorer de nouveaux langages visuels, j’ai choisi de donner vie à ce projet sous forme d’installations et de sculptures.

Le Narcisse déconstruit, les stèles, les fleurs suspendues — toutes ces pièces poursuivent l’identité de mon travail : un mélange de matériaux bruts et raffinés, une recherche constante de contrastes, de tensions, de contradictions.

Le béton dialogue avec le bois, le métal avec la céramique.
Ces matériaux deviennent les métaphores de nos structures intérieures : l’éducation, la mentalité, la fragilité, la reconstruction, la déconstruction du masculin et du féminin.

En tant qu’artiste pluridisciplinaire, les fresques murales occupent une place importante dans mon travail.
Elles apportent visibilité et ampleur au projet, et permettent de sortir l’exposition du cadre strict de la galerie. Les thématiques que j’aborde sont universelles et mondiales ; elles trouvent naturellement leur place dans l’espace public.
Dans ce contexte urbain, la fresque devient un outil politique, un acte social, une prise de position. Pour amplifier leur impact, j’ai développé une arme à points — une grande machine inspirée d’une arme de guerre, qui projette mes points habituellement délicats avec force et brutalité.
Ce geste volontairement violent fait écho à celle de la masculinité toxique que je dénonce.

Avec cette arme, je peins les portraits des survivantes. Le geste est brutal, mais l’image est douce. C’est une réponse artistique à la violence — un retournement symbolique.

Le livre constitue l’aboutissement du projet — l’objet total qui rassemble toutes ses dimensions.

Il réunit :

• les croquis du carnet noir,

• les dix portraits des survivantes,

• des textes poétiques et illustrés,

• et un glossaire inédit de plantes toxiques, métaphore des comportements destructeurs connus en psychologie : gaslighting, love bombing, manipulation, perversion narcissique, etc.

Ce livre devient un outil didactique, sensible et artistique :
un guide illustré pour reconnaître les signes d’une relation toxique, pour comprendre l’emprise, pour se protéger.

Les interludes poétiques seront écrits en collaboration avec l’écrivaine Sophie Dora Swan, dont l’univers littéraire s’accorde avec la délicatesse et la profondeur du projet.

Le Jardin des Narcisses existe autant dans mon imaginaire que dans mes mains. D’où cette page, d’où ces textes, d’où cette mise à nu du processus : pour partager, dès aujourd’hui, la vision complète du projet et inviter à l’accompagner vers sa forme finale.

Quoi qu’il arrive, je mènerai ce projet à terme. La question n’est pas si, mais comment, et à quel rythme. La forme finale dépendra évidemment des soutiens reçus — financiers, institutionnels, logistiques.

Je me laisse du temps, mais pas un délai infini : une année serait idéale ; deux ans restent un horizon acceptable. Au-delà, ce serait trahir l’urgence du sujet. Car il y a véritablement urgence : les portraits avancent, les croquis s’accumulent, l’écriture du livre prend forme. Chaque jour, ce projet pousse, germe, demande à exister pour de vrai — dans l’espace public, dans les galeries, dans les mains des lecteurs.

J’avancerai pas à pas, en fonction des réponses, des opportunités, des portes qui s’ouvrent. À la fin de cette page, une possibilité de soutenir le projet existe. Chaque geste compte — il rend la réalisation plus rapide, plus ample, plus fidèle à ce qu’elle doit devenir.

Et si vous souhaitez soutenir ce projet d’une manière ou d’une autre,
écrivez-moi directement : tami@hopfstudio.com
Toute aide est la bienvenue — vraiment.

Les visuels présentés ici sont des images de recherche : croquis, essais de composition, études de matière et intentions chromatiques. Ils ne constituent pas des œuvres définitives, mais les fondations du langage visuel de l’exposition.

Ces documents permettent de situer :

• l’orientation esthétique (pointillisme, relief, ornementation, vide, fracture)

• la mise en scène des corps et des symboles botaniques

• les futurs formats, échelles et dispositifs (tableaux, fresques, stèles, installations)