Que reste-t-il de notre perception lorsque ce qui nous attire est aussi ce qui nous déforme ?

Le Jardin des Narcisses est un projet artistique pluridisciplinaire développé par Tami Hopf autour d’une question centrale: comment certaines relations peuvent-elles progressivement transformer la perception que nous avons de nous-mêmes et de l’autre ?

À travers la peinture, la sculpture, l’installation et l’édition, le projet explore les notions de relation, d’emprise, de projection, de perte de repères et de reconstruction. Il prend pour point de départ l’expérience des relations déséquilibrées et des violences psychologiques, sans chercher à établir une opposition entre femmes et hommes, ni à produire un discours clinique ou démonstratif.

L’enjeu est avant tout artistique : donner une forme sensible à des mécanismes souvent invisibles.

La botanique constitue le principal vocabulaire symbolique du projet. Plantes toxiques, racines invasives, floraisons séduisantes, organismes qui coopèrent ou se parasitent deviennent autant de métaphores permettant d’aborder les relations humaines sans les illustrer littéralement. Le narcisse en est la figure centrale : par son lien au mythe de Narcisse, mais également par sa dualité réelle — une fleur familière et délicate, pourtant toxique.

Le projet s’intéresse ainsi à une contradiction fondamentale : la coexistence de la beauté et du danger, de l’attachement et de la contrainte, de la séduction et de la perte de soi.

Cette recherche possède naturellement une dimension sociétale. Elle dialogue avec des questions contemporaines autour des rapports de pouvoir, des rôles attribués aux femmes et aux hommes, de la transmission culturelle et de notre manière de construire des relations plus équilibrées. Cette dimension reste volontairement ouverte : Le Jardin des Narcisses ne cherche ni à désigner des coupables ni à apporter une réponse unique, mais à créer un espace de réflexion par l’expérience artistique.

Le projet trouve son origine dans un carnet de dessins et poemes commencé en 2018.

Au fil des années, ce carnet s’est enrichi d’autre chose : des récits entendus, confiés, observés. À travers mon travail, mes rencontres et les échanges avec des femmes venues parfois déposer, presque à voix basse, des fragments de leur histoire, j’ai fini par accumuler une matière qui dépassait largement les expériences individuelles. Sans m’en rendre compte, je constituais peu à peu une sorte d’archive sensible.

Aujourd’hui, en 2026, trois carnets sont remplis de récits, de phrases, de situations, de dessins et de notes. À force de vivre, d’entendre et d’être témoin de ces histoires, des motifs récurrents sont apparus. Les mêmes mécanismes revenaient sous des formes différentes, jusqu’à former ce que je perçois désormais comme une grammaire de l’emprise : une suite de gestes, de silences, de déplacements, de dépendances et de pertes de repères qui, mis bout à bout, dessinent une trame collective.

C’est dans ce paysage que le narcisse est devenu la figure centrale du projet. Il convoque naturellement le mythe de Narcisse et la fascination pour le reflet, mais m’intéresse aussi pour son ambiguïté botanique : délicate et familière en apparence, la plante possède une toxicité réelle.

Cette contradiction traverse l’ensemble du projet :

ce qui est beau peut contraindre ;
ce qui protège peut enfermer ;
ce qui séduit peut modifier progressivement la perception que nous avons de nous-mêmes.

Le projet prend pour point de départ les relations d’emprise et les violences psychologiques, sans chercher à les illustrer littéralement ni à construire une opposition simpliste entre victimes et coupables.

Je m’intéresse davantage à leurs effets invisibles : la transformation progressive de la perception de soi, de l’identité et du rapport au corps — mais aussi à ce qui vient après : la reprise de possession de son image, de son récit et de son espace intérieur.

Le développement de la palette constitue l’un des principaux enjeux du projet.

Je pars volontairement de couleurs fortement codifiées : rose et bleu.

Plutôt que d’éviter leur caractère presque stéréotypé, je souhaite précisément le pousser jusqu’à son point de rupture.

Rose pâle, rose saturé, bleu profond, noir et blanc composent la base du système. Une couleur plus vive intervient ponctuellement comme accident visuel.

Ma recherche porte sur les rapports d’intensité, de transparence, d’aplat et de superposition entre ces teintes, ainsi que sur leur interaction avec le pointillisme et la ligne qui caractérisent mon travail.

L’enjeu est de conserver la précision graphique construite au fil de ma pratique tout en permettant à la peinture de devenir plus physique, plus libre et moins prévisible.

Le projet marque parallèlement une évolution importante dans mon parcours artistique.

Après près de dix années consacrées à un langage principalement construit autour du noir et blanc, du dessin et du pointillisme, j’introduis la couleur comme véritable matière de recherche.

Rose pâle, rose intense, bleu profond, noir, blanc et une teinte vive constituent les bases d’une nouvelle palette. Certaines de ces couleurs portent volontairement des associations culturelles liées au féminin et au masculin. Je souhaite les déplacer, les mélanger et les rendre moins prévisibles : un rose peut devenir brutal, un bleu charnel, une couleur vive venir rompre toute lecture binaire.

Cette recherche se développe simultanément dans les peintures, les sculptures et l’espace d’exposition.